[서양 미술사] 모더니즘의 태동과 시각의 혁명: 인상주의와 후기 인상주의

19C 후반, 프랑스 파리는 영국 산업혁명의 여파로 인한 급격한 도시화와 상업의 발달,
대대적인 도시 정비 사업을 거치며 과거와는 완전히 다른 현대적 대도시로 탈바꿈했다.

공장의 등장과 노동 형태의 변화는 역설적으로 부르주아 계층의 풍요로운 '여가 문화'를 탄생시켰고,
대도시는 유동적이고 빠른 속도로 움직이기 시작했다.

시인 샤를 보들레르(Baudelaire)는 "예술가가 스스로 주체가 될 때 근대 회화가 시작된다"는 위대한 선언을 남겼다.
예술가들이 더 이상 아카데미의 신화적 교훈이나 국가의 역사화에 종속되지 않고,
자신이 살아가는 근대적 세계와 주관적인 감각의 인상을 스스로 선택하여 그리기 시작한 시각의 혁명,
Impressionism과 Post-Impressionism의 막이 오른 것이다.

1. 현대 회화의 선구자이자 살롱의 스캔들: 에두아르 마네

1863년, 프랑스 관문이었던 살롱전에서 수많은 화가가 무더기로 낙선하자 이에 반발하는 여론이 거세졌고,
나폴레옹 3세의 허락 하에 낙선한 작품들을 모아 전시하는 '낙선전'이 개최되었다.

에두아르 마네(Édouard Manet)는 이곳에 <풀밭 위의 점심>을 출품해 미술계와 부르주아 사회에 스캔들을 일으켰다.

The Luncheon on the Grass

마네는 고전 작가들이 여신을 빌려 우아하게 묘사하던 누드의 전통을 정면으로 비판했다.
신화 속 옷을 벗은 인물이 아니라, 당대 파리의 신사들 사이에 실재하는 동시대 여성의 누드를 그려냈다.
부르주아 문화의 이면적 위선을 교모하게 비꼰 이 도발은
아카데미즘 제도의 권위에 저항하는 'Avant-garde' 정신의 상징이 되었다.

Olympia

과거 고전 회화 속 여성 누드가 철저히 남성의 관음적인 시선(Male Gaze)을 충족하기 위한 수동적인 대상이었다면,
마네의 '올랭피아(1863)' 속 여성은 자신을 바라보는 관람객을 오히려 도도하게 역응시하는
주체적이고 '자각적인(Self-aware) 응시'를 보여준다는 비판이 있다.

마네는 스페인 바로크의 거장 벨라스케스의 <시녀들>이 지닌 자의식과 메타 회화적 구조에서 깊은 영감을 받았고,
이를 근대 파리의 세속적인 일상과 결합해 회화가 더 이상 신화를 재현하는 창이 아니라
그림 그 자체로 존재할 수 있다는 매체의 자율성을 확보해 나갔다.

2. 고정된 형태의 해체, 찰나의 빛을 포착하다: 인상주의

마네의 혁신에 자극을 받은 젊은 화가들은 1874년 스스로 독립적인 그룹을 결성해 최초의 전시를 개최했다.

Impression, Sunrise

클로드 모네가 출품한 <인상, 해돋이>를 본 한 비평가가
"단지 인상만 가득할 뿐"이라고 조롱한 것에서 'Impressionism'이라는 명칭이 탄생했다.

기술의 발전이 가져온 야외 회화 (En Plein Air)

• 튜브 물감의 발명: 물감을 갈아 쓰던 제약에서 벗어나 캔버스를 들고 직접 자연으로 나가는 '외광파'가 될 수 있었다
• 색채학 이론의 도입: 과학적 보색 효과를 회화에 도입해 형태를 규정하는 소묘(선)보다
                                 색채의 진동을 화면 위에 직접 거친 Rough brushstroke으로 병치했다

모네, 르누아르, 드가의 시선

인상주의자들은 고유색에 의문을 품었다.
대기의 분위기와 순간적인 빛에 따라 대상의 색은 끊임없이 변화하며,
그 찰나의 인상이야말로 예술가가 포착해야 할 진실된 실체라고 믿었다.

• Claude Monet
  "내가 그리고자 하는 것은 대성당이 아니라, 대성당 위에 떨어지는 빛이다" - <루앙 대성당 연작>
  대상의 고정된 구조는 중요하지 않았으며, 오직 빛의 덩어리와 색채의 율동, 시간성을 담아내는 기호적 평면으로 해체
• Auguste Renoir
  빛의 변화 속에서 시민들이 향유하는 따스하고 풍요로운 여가 생활과 일상의 생동감을 눈부신 화려함으로 재현
• Edgar Degas
  사진술의 편집 효과를 활용해 잘려 나간 화면 구도와 비정형적인 시점으로
  발레리나의 무대 뒤 고된 노동과 일상의 이면을 담아내는 또 다른 사실주의를 보여줌

 

3. 감정과 구조의 발견: 후기 인상주의와 신인상주의

인상주의가 도달한 빛의 해체는 미술사상 가장 거대한 분기점을 만들어냈다.
19C 말 등장한 예술가들은 인상주의가 순간적인 망막의 시각 정보에만 치중한 나머지,
사물의 본질적인 조형 구조나 예술가의 깊은 내면 정서를 담아내지 못한다는 한계를 느꼈다.

인상주의가 "눈에 보이는 대로 그렸다"면, 이들은 각자의 방식으로 시각 정보를 내면화하고 구조화했다.
어떤 이들은 감정으로 향했고, 다른 이들은 질서로 향했다.

빛을 과학으로 구조화하다: 조르주 쇠라와 신인상주의

조르주 쇠라(Seurat)는 인상주의의 순간적이고 우연적인 빛의 효과를 극단적인 과학적 이성과 체계로 정립하고자 했다.

A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte

팔레트에서 물감을 섞는 대신, 순수한 원색의 점들을 캔버스 위에 촘촘히 찍어
관람객의 눈에서 색이 혼합되도록 만드는 '점묘법'을 창시하여 시각 실험을 이성적인 구조주의로 완성했다.

색채를 감정의 언어로 삼다: 빈센트 반 고흐

Vincent van Gogh는 주관적인 심상과 타오르는 내면의 감정을 표현하기 위해 인상주의의 밝은 색조를 넘어섰다.
초기에는 렘브란트와 바르비종파 밀레의 영향을 받아 <감자 먹는 사람들(1885)>과 같이 어둡고 소박한 노동자의 삶을 그렸으나,
파리 이주 이후 신인상주의의 점묘 실험과 일본식 목판화(우키요에)의 명료한 선과 필체를 흡수했다.

Starry Night

고흐에게 색과 선은 대상을 복사하는 도구가 아니라 인간 존재의 고독, 불안, 삶과 죽음의 정서를 뿜어내는 '언어'였다.
<별이 빛나는 밤(1889)> 속 소용돌이치는 하늘과 별의 위치는 인위적인 관찰의 결과가 아니라
영혼의 심리적 강도를 강조한 내면의 시각화였으며, 훗날 20C 독일 표현주의의 직접적인 모태가 된다.

사물의 지속되는 본질적 구조를 찾아서: 폴 세잔

Paul Cézanne은 고흐와 정반대로 이성적이고 조형적인 질서를 추구했다.
인상주의가 순간적인 빛의 우연성에만 매몰되는 것을 경계했던 세잔은
사물의 표면 아래 숨겨진 변하지 않는 본질, 즉 '형태의 지속성'을 회화 공간 속에서 증명하고자 했다.

Still Life with a Curtain

"자연의 모든 사물은 구, 원추, 원기둥으로 이루어져 있다"
세잔은 화면 안에서 사물과 공간의 관계를 치밀하게 조형적으로 쌓아 올렸다.
하나의 고정된 원근법적 시선을 거부하고, 대상을 여러 각도에서 관찰하여 한 화면에 결합하는 '복수 시점' 실험을 감행했다.
이는 훗날 파블로 피카소에게 이어져 입체주의(Cubism)를 탄생시키는 결정적인 기원이 된다.

피카소가 세잔을 향해 "그는 우리 모두의 아버지였다"고 고백한 이유가 여기에 있다.